El Pop Art se divide en cuatro fases La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto. La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles. Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana. La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa. Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.

IMAGENES


Un poco de historia del pop art

La abstracción postpictórica, fue por lo menos en parte una continuación del expresionismo abstracto. El pop art fue una reacción en contra y antes que nada, fue el Pop el que tuvo mayor repercusión.
El surrealismo, con su atracción por lo subconsciente, fue reemplazado por el dadaísmo, con su preocupación por las fronteras del arte. Pero ésta no fue una elección puramente intelectual. Había fuerzas dentro del expresionismo abstracto (...) comenzó a agotar sus ímpetus, el prevaleciente interés en la textura llevó a los artistas a experimentos cada vez más audaces con los materiales.
Algunos de estos experimentos -con pintura acrílica- fueron llevados a cabo por Morris Louis y llevaron hacia la abstracción postpictórica. El uso del collage significó un importante paso filosófico para un artista ya familiarizado con la abstracción informal. En ésta, una textura interesante era algo que el artista creaba, pero las adiciones de collage llegaban a su mano ready made (objetos ya hechos); y la idea del "ready-made" de Marcel Duchamp fue una de las innovaciones principales del dadaísmo. El collage había sido inventado por los cubistas como medio para explorar las diferencias entre la representación y la realidad. Los dadaístas y los surrealistas habían extendido grandemente sus alcances y, en particular, los dadaístas lo encontraron especialmente análogo y alineado con sus preferencias por un antiarte. En manos de la generación de postguerra, el collage se desarrolló como "arte de assemblage", un medio para crear obras de arte casi totalmente a partir de elementos preexistentes, donde la contribución del artista habría de encontrarse más en establecer conexiones entre ab-initio. En 1961, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una importante exposición bajo el título "El Arte del Assemblage". William C. Seitz señaló en su introducción al catálogo: "La actual ola de assemblage. .marca un cambio del arte subjetivo, fluidamente abstracto, hacia una revisada asociación con el medio ambiente. El método de yuxtaponer es un vehículo apropiado para expresar sentimientos de desencanto por el resbaladizo idioma internacional en que ha tendido a manifestarse la abstracción libremente articulada y los valores sociales que esta situación refleja".

El assemblage fue importante también por otra razón. No sólo proveía un medio de transición del expresionismo abstracto a las aparentemente muy diferentes proposiciones del pop art, sino que trajo una recon-sideración radical de los formatos dentro de los cuales podían operar las artes visuales. Por ejemplo, el assemblage daba un punto de partida para dos conceptos que habrían de ser cada vez más importantes para los artistas: el medio ambiente y el happening.

Por supuesto, algunos practicantes del assemblage no se apartaron mucho de sus fuentes originales. Las exquisitas cajas hechas por Joseph Cornell, con sus yuxtaposiciones poéticas de objetos, y los ingeniosos collages de Enrico Baj son cosas que exploran los recursos de una tradición, sin buscar ampliarlos muy radicalmente. Otros artistas no estaban satisfechos con esto. La mayoría de ellos caen en la categoría que ahora casi melosamente se ha dado en llamar "neodadá". Uno preferiría decir, casi, que son a menudo artistas que, con lo que hacen, quieren explorar la idea de lo mínimo, lo inestable, lo efímero.
En Norteamérica, los dos exponentes más discutidos del neodadá han sido indudablemente, Robert Rauschenberg y Jasper Johns. De los dos, Rauschenberg es el más variado y Johns el más elegante; esta elegancia es una parte genuina, aunque algo incómoda de tener en cuenta para cualquier discusión sobre lo que estos artistas representan.
Rauschenberg nació en Texas en 1925. A fines de la década del cuarenta estudió en la Academie Julien en París, y luego, con Albers trabajó en el Black Mountain College. A principios de la década del cincuenta, Rauschenberg pintó una serie de cuadros completamente blancos donde la única imágen era la propia sombra del espectador.
Más tarde preparó una serie de cuadros enteramente negros. Ninguno de estos desarrollos era único. El pintor italiano Lucio Fontana (Nació en 1899 en Rosario, Prov. de Santa Fe. Estudió en la Academia Brera de Milán. En 1946 publicó en Buenos Aires el Manifiesto Blanco) hizo una serie de telas totalmente blancas en 1946; el francés Yves Klein exhibió sus primeros monocromos en 1950. Después de estos experimentos con el minimismo, Rauschenberg comenzó a moverse hacia la "pintura de asociaciones", un modo de creación en donde una superficie pintada se combina con varios objetos que están fijados a esa superficie. A veces las pinturas se desarrollan en objetos tridimensionales que se sostienen solos, tales como la famosa cabra embalsamada que ha aparecido en tantas exposiciones del arte norteamericano contemporáneo. Una pintura hace uso de un equipo de radiofonía funcionando; otra, de un reloj. El artista también ha usado imágenes fotográficas, que son estampadas directamente sobre la tela.La filosofía estética que informa sobre esto es esencialmente la del compositor experimental John Cage, a quien Rauschenberg conoció en Carolina del Norte. Una de las ideas básicas de Cage es la de "desenfocar" la mente del espectador: el artista no crea algo separado y cerrado, sino que en cambio hace algo para que el espectador se vuelva más abierto, más consciente de sí mismo y de su medio. Dice Cage: "Nueva música; nuevo escuchar. No un intento para comprender algo que está siendo dicho, ya que, si se dijese algo, se daría a los sonidos formas de palabras. Sólo una atención a la actividad de los sonidos".
Una pintura típica de Rauschenberg, como la enorme Barcaza pintada en 1962, es una especie de ensueño al que se invita a unirse a los espectadores; un flujo de imágenes que no son necesariamente fijas e inmutables. Cage comenta la "cualidad del encuéntro" entre Rauschenberg y los materiales que usa; uno puede comparar esto con la manera en que trabajaba Kurt Schwitters. Pero Rauschenberg es un Schwitters que ha pasado a través de la experiencia expresionista abstracta. Lo mismo, ya que estamos, es Jasper Johns, a pesar de que la obra de Johns da la impresión de una mayor disciplina. Johns es más que un irónico. Una obra, titulada Las Sonrisas Críticas, es un cepillo de dientes fundido en metal maleable, colocado sobre un zócalo del mismo material. A diferencia de Rauschenberg, Johns es conocido principalmente por el uso de imágenes simples, triviales: un conjunto de números, un blanco, un mapa de los Estados Unidos, una bandera norteamericana. El tema de estas imágenes es en gran parte la falta de tema, el espectador busca un significado específico, el artista está principalmente preocupado en crear una superficie.
En lo que concierne al manejo de la pintura, Johns es un maestro de técnica. La forma en que trabaja Johns sugiere también relaciones con otras cosas, además del pop art. Al igual que Kenneth Noland, está interesado en la inercia pictórica, por ejemplo. Una de las razones para elegir modelos triviales es el hecho de que ya no generan más energía. Está interesado también en la idea de la pintura como objeto, más que como representación. En algunos casos ha utilizado dos telas unidas por el borde con un par de bolas de madera introducidas entre ambas, de manera que vemos la pared detrás en el punto en que se unen. Otras obras tienen añadidos: una regla, una escoba, una cuchara.De la descripción de las actividades de estos dos artistas, resulta que ellos representan un alejamiento de la pintura "pura". Aún para Johns, a pesar de todo su virtuosismo, la pintura no es más que un medio para lograr ciertos resultados, que posiblemente se consigan también de alguna otra manera.
Rauschenberg ha estado por años asociado a la compañía de baile Merce Cunningham: actúa con ellos además de diseñar vestuarios y escenarios, y evidentemente esto es una parte tan central e importante de su actividad como lo es la pintura. Una de las direcciones sugeridas por una pintura como Barcaza es el paso hacia el cuadro vivo, obra de arte que rodea o casi rodea al espectador. Las obras voluminosas y feroces de EdwardKienholz son un ejemplo.Kienholz también representa un aspecto de la tendencia que se llama ahora a menudo "funk", o "funk art" : el gusto por lo com-plejo, lo enfermo, lo raído, lo gro-tesco, lo aparente, lo viscoso, lo abierta o encubiertamente sexual, como oposición a la impersonal pureza de gran parte del arte contemporáneo.

Quizá porque ofrece este tipo de alternativa, el "funk art" ha demostrado ser más que una moda pasajera y ha sido responsable de algunas de las más alarmantes imágenes de la década del sesenta. -Cosas como canapé, de Bruce Conner en 1963, que muestra el cadáver-de alquien aparentemente asesinado y desmembrado sobre un destartalado sofá victoriano, o Muerte de un hippie, de Paul Thek, o varios cuadros vivos del inglés Colin Self. Es típico también otro cadáver, una figura titulada Víctima Nuclear.
En Europa, un equivalente de los neodadaístas norteamericanos es ofrecido por lo que a veces se llama "nuevo realismo", que sigue al movimiento fundado por el crítico francés Pierre Restany, junto con Yves Klein y otros. Restany sostiene que "el nuevo realismo registra la realidad sociológica sin ninguna intención polémica".

Lo que significa esto quizá pueda deducirse de la obra de Arman, quien fue uno de los adherentes del grupo. La obra más característica de Arman consiste en la acumulación al azar de objetos, pero objetos de Ia misma clase, encerrados en plásticos transparentes. Estas acumulaciones pueden presentarse como paneles, o ser tridimensionales. Por ejemplo. Arman ha hecho un torso de mujer en plástico, lleno de guantes retorcidos. Otro artista atraído por lo sistemático es Christo, quien es más conocido por sus paquetes, objetos sólidos misteriosos, que a veces sugieren y a veces esconden lo que está envuelto en ellos.
La principal personalidad entre estos europeos neodadaístas fue indudablemente el fallecido Yves Klein. Klein es un ejemplo de un artista que fue importante por lo que hizo -el valor simbólico de sus acciones- más que por lo que realizó. Uno ve en él un ejemplo de la creciente tendencia en la que la personalidad del artista es su única creación, verdadera y completa.


Breve introduccion al pop art
El Pop Art nace en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.
La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.

"No tengo memoria", señaló Warhol, "cada día es un día nuevo porque no puedo recordar el día anterior. Cada minuto es como el primer minuto de mi vida".



ARTISTAS DESTACADOS:

Roy Lichtenstein (1923-1997), pintor estadounidense del Pop Art, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Nació en Nueva York y obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederick Remington. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado obras en cerámica. En 1993 el Museo Guggenheim de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.