El arte pop (del inglés Pop-Art, "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales
La célula del pop fue el Grupo Independiente (IG) del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, fundado en 1952 y en el que destacó R. Hamilton.

En 1956, la Whitechapel Gallery de Londres expuso un collage que ha sido considerado como la primera obra pop: "Just What is it that makes Today's Homes so Different, so Appealing?". Y, aunque las primeras formulaciones aparecen en Inglaterra, su consolidación fue un fenómeno típico estadounidense.
Una de las características del Pop Art y que permite su mayor comprensión, es que recalcaba el carácter de rápido consumo, de sus obras.A medida que se introdujo la imagen popular, los artistas se fueron desplazando hacia la objetividad e impersonalización creativa. Por esta razón, su inspiración se dirigió hacia los distintos medios de masas desde un punto de vista formal, temático y creativo.

Con algunas modificaciones, el pop se apropió de técnicas expresivas, inspiradas y probadas en los distintos medios de coAndy Warhol en su Filosofía de B a A y de A a B, recoge muchas de las ideas que subyacen en su concepto de lo "pop". En el Pop-Art, la belleza es susceptible de ser encontrada en cualquier objeto de consumo. Se aceptan desde los materiales nobles hasta los plásticos, papeles, cartones, latas y botellas de coca-cola. municación. Todas ellas contribuyeron, desde los niveles sintácticos y formales, a la concreción de la lectura inequívoca de las obras creadas.

La fotografía fue una de las primeras técnicas asumidas. Inicialmente, servía para clasificar las imágenes representadas. Sin embargo, con Hamilton, Blake, Paolozzi y los americanos Rosenquist, Lichtenstein y Warhol, dejó de ser un modelo a imitar con medios pictóricos para convertirse en un proceso donde el artista controlaba el desarrollo mecánico de la obra.

En Dick Tracy(1960), de Warhol, se formalizó técnica e iconográficamente el cómic como pertinente al pop. De 1961 a 1964 se convirtió en el tema principal de Lichtenstein, quien estaba interesado en la estructura formal de la viñeta aislada.

La composición de varias fotografías derivó hacia el espacio cinematográfico. En este ámbito, la mayor influencia sobre el pop fue ejercida por la escena, la secuencia o acción compleja, aunque única.

El cartel publicitario fue el principal género visual estático de la sociedad de consumo y, por ello, el que influyó más en el pop. Reunía el inventario más sistemático de las técnicas visuales.

También fue frecuente la alteración de imágenes en relación a su contexto. Por ejemplo, la transformación de obras de arte en imágenes populares, como las copias de Lichtenstein sobre obras de Picasso, Cézanne o Monet. Este procedimiento dio origen a la parodia o figura que retiene la forma o el carácter estilístico de la obra primaria, pero la altera con un contenido o contexto ajeno. Esta idea abunda en Rauschenberg y Rosenquist.

Otra figura socorrida fue la supresión de elementos representados, en el sentido que el espectador percibía la ausencia y podía reconstruir el objeto ausente. La supresión se tradujo en la condensación de una escena completa en alguno de sus elementos característicos.

Sin embargo, la técnica más socorrida fue la repetición y seriación en lo que destacó Warhol a partir de sus serie "Marilyn Monroe",

caracteristicas

- Rechazo del expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual.

- Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

- Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periodicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

- Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

- Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que combina éstas con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y facilmente reconocibles.

- Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

- Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra (las combine paintings de Rauschemberg): flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (neodadaísmo).

- Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

- Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes de tebeo de Lichtenstein).

- Iconografía estilizante, principalmente formas planas y volumen esquemático. .

- Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.



Nuevos íconos

Las unidades temáticas del arte de la imagen popular se relacionaron directamente con la masa y el consumo, agrupándose en unidades simbólicas compactas, propias de cada sociedad. Para ello, el pop elaboró una técnica próxima a la publicidad. Así, las temáticas no fueron arbitrarias; su elección estaba condicionada por los símbolos presentes en los medios de comunicación.

Uno de los símbolos más usuales fue el del status de la personalidad y de la posición social, autos, alimentos, viviendas y confort doméstico trabajado por Hamilton, Rosenquist, Wesselmann, Oldenburg, Lichtenstein, Segal, Rauchenberg y Warhol.

También fue frecuente la utilización de comerciales. Estos se referían a todos los medios de publicidad y propaganda de los productos que podían elevar el status social. Destacó en ello Warhol con la sopa Campbelly el detergente Brillo, entre otros.

No quedaron afuera los símbolos técnicos de la era tecnológica (Paolozzi, Hamilton y Rauschenberg). Pero, sin duda, fueron los mitos de masas los que tuvieron un mayor apogeo, debido a que el individuo de la sociedad de consumo terminó por atribuir a un personaje determinado la calidad de un héroe mítico que dependía directamente del boom publicitario del momento.

El símbolo sexual fue introducido por el pop con gran fuerza. Su temática respondía a la imposibilidad propia de la sociedad burguesa de vivir y ver auténticamente el sexo. El objeto femenino se integraba como algo abstracto, y la sexualidad se insertaba dentro de la mecánica publicitaria.

Pese a las críticas que ha recibido el pop como movimiento, es claro que ha sido la tendencia más decisiva en el desarrollo de representación de los años 60. Sus lecciones a nivel de lenguaje, así como el replanteamiento de la problemática artística siguen operando en la actualidad.
Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término "Pop-Art" fue utilizado por primera vez por el crítico holandes Laurence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi entre otros. Otro crítico, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo-Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.
El arte pop es la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en una adiccion. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina". También es simbólica la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera "efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso". Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo.
Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.

El arte pop británico

En el Reino Unido el arte pop empieza a gestarse en las discusiones que mantenían Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi y los críticos Lawrence Alloway y Reyner Banham, desde 1952, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (ICA). Estas discusiones se centraban en torno al impacto que la tecnología moderna y los medios de comunicación de masas estaban teniendo en la sociedad. Entre otras cosas, en estas discusiones se desmontó la pirámide de categorizaciones en la que las Bellas Artes eran la cima equiparadas al cine, a las artes populares y las artes gráficas.
Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop, el collage titulado ¿Qué es lo que hace los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, que fue expuesto en la exposición titulada Esto es el mañana en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956.
En 1961 se presentaba el arte pop británico al público en una exposición que reunía obras de David Hockney, Derek Boshier, Allen Jones, R.B. Kitaj y Peter Phillips.
El arte de Hamilton toma sus fuentes de las industrias del consumo y del ocio, de la publicidad y también de la historia del arte. Puede decirse que el Pop de Kitaj y Hamilton es un pop culto y altamente intelectualizado, casi hermético en un sentido que no es el del pop habitual. El otro gran artista Pop de la escena inglesa es David Hockney, para quien la herencia del movimiento moderno es fundamental y combina fotografías, cuadros abstractos y diversos tipos de material gráfico. Junto con Allen Jones forma la segunda generación del Pop británico.
El pop art estadounidense En Estados Unidos el arte pop entra en escena en 1961 y arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias iniciales de algunos críticos como Harold Rosenberg, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en la industria del arte. Sin embargo, la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidense, lo cual era importante ya que tanto los artistas como los coleccionistas estadounidenses estaban en cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de este hecho se produjo con la exposición titulada El arte pop y la tradición americana en el Milwaukee Art Center en 1965. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos; en lo demás todo es opuesto: los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas (las obras de Roy Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente), o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock, y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista.
Los precursores del arte pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo lo forman Andy Warhol, Jim Dine, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Robert Indiana, Tom Weselman y Claes Oldenburg. En la periferia del pop americano se encuadran Alex Katz, John Chamberlain y Larry Rivers. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad; muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.
Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de cómics y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Dine combina objetos reales con fondos pintados. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas, navajas, etcétra) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención y nos amonestan.

El arte pop español

En España el Pop se estudia asociado a la nueva figuración surgida a raíz de la crisis del informalismo. Podría encuadrarse en esta tendencia por su interés en el entorno y su crítica de nuestro medio cultural, utilizando iconos de los medios de comunicación de masas y de la historia de la pintura, y por su desprecio manifiesto por cualquier estilo establecido. El que se puede considerar como más auténticamente pop es Alfredo Alcaín, por el uso que hace de las imágenes populares y por el vacío que confiere a sus composiciones.
Tenemos que entender que el pop-art llega a los españoles como unas bases que nacen del interés que manifestaron algunos artistas extranjeros (Hamilton, Paolozzi) de la vanguardia londinense por las imágenes de los objetos de uso corriente de la civilización urbana, vehiculadas por los medios de comunicación de masas, y por su deseo de acercar el arte al gran público creando un nuevo arte popular frente al elitismo que había caracterizado hasta entonces el arte de vanguardia. A principios de los años sesenta empezaron a aparecer en España publicaciones de collages, pinturas y esculturas cuyos temas principales eran los productos tecnológicos, los automóviles, las estrellas de cine, etc., tratados con estilos que difieren de un artista a otro (Kitaj, Peter Blake, Hockney, Caulfield, etc.). Desde España se ve en el pop-art como modernismo de unos artistas de los EE UU; el pop-art está representado fundamentalmente por la obra de cinco artistas: Oldenburg, Rosenquist, Roy Lichtenstein, Andy Warhol y Tom Wesselmann, quienes han recurrido sistemáticamente a los objetos industriales y a los medios de comunicación de masas y han convertido sus imágenes en los símbolos característicos de la cultura norteamericana. Tímidamente, en 1991 Getafe (Madrid), el pintor Estéfano Viu pinta una serie de 45 cuadros dedicada al Pop-art; posteriormente utilizará esporádicamente esta técnica en algunas obras posteriores.
También pueden considerarse de tendencia pop el Equipo Crónica, formado en Valencia por Manolo Valdés y Rafael Solbes, por su utilización de cómics y de imágenes publicitarias, por la simplificación de las imágenes y las composiciones fotográficas.

El pop art en Colombia

El Pop art ha sido una repercusión más de la cultura estadounidense en nuestras artes, en la publicidad, la literatura y hasta en la política. Marta Traba cita la opinión de Aldo Pellegrini que dice:
El Pop art es una expresión de cultura de masas? No, es en definitiva un arte refinado para un público refinado. Para un público con una sensibilidad desgastada, que exige sensaciones nuevas pero muy dosificadas. El Pop ofrece a ese público el refinamiento requerido y además el sabroso condimento de una especie de protesta latente, de un modo lo bastante frío y opaco como para que llegue a adquirir caracteres de destrucción. Ha logrado utilizar el mal gusto limándolo de toda su agresividad y aspereza, convirtiéndolo en un mal gusto de buen tono, en un mal gusto elegante. Pero el pop es, en definitva un arte de provocación. Y esta provocación puede existir en la obra aún ignorándolo el artista, cuando refleja con fidelidad un mundo repudiable. Una característiva de los pop, es su absoluta prescindencia;no sostienen su obra con ningún tipo de protesta ideológica. No explican, ni siquiera hablan,y cuando lo hacen sus declaraciones son tan ambiguas como las de las pitonisas. Su obra tiene también esa característica impersonal, objetiva. Esa tendencia a la despersonalización, a eliminar totalmente el mundo de las impresiones personales.
Pero Colombia, aún, antes de 1960, como bien lo cuestionábamos al principio del presente artículo, como parte de los países subdesarrollados y dependientes de las economías extranjeras del Norte y Occidente, se ha caracterizado por tener una sociedad dual porque giraba en torno a un desarrollo arcaico-tradicional junto a otra sociedad minoritaria industrial monetizada y de mercado. Por lo tanto, el hecho de producir un arte de masas es totalmente desproporcionado porque la mayoría de la población Colombiana no tenía acceso ni a la industria ni a los requerimientos económicos adquisitivos que lo exigen. Es más, ni siquiera en países más desarrollados como Argentina o Brasil era realmente apropiado este tipo de arte.
Sin embargo algunos artistas intentaron expresarse por medio de una figuración similar a la de las formas pop Estadounidenses pero basados en la realidad colombiana, tomando referencias de la violencia como Beatriz González, de la urbanización, como Sonia Gutierrez, o de la materialidad de objetos cotidianos, como Santiago Cárdenas. :

Noticias hacerca del pop art en la actualidad:

Pop art después del siglo XX

El pop art así como el art painting, arte cinético, op art, estructuralismo, la transvanguardia italiana y la neoabstracción son parte de los temas que se imparten en el taller Arte de la Segunda Mitad del Siglo XX.

El coordinador de este taller que está por llegar a las últimas sesiones es Jesús González Encina.

A lo largo de las clases, lleva una cronología de todas las manifestaciones y corrientes artísticas desde sus inicios hasta la actualidad.

Por ejemplo, en la época de los 60´s surgió lo que se conoce como pop art.

Surgió también el grafitti, hiperrealismo, el art land, el arte povera y el arte corporal entre otras.

También aborda lo que es la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX, en la que presenta a los mejores exponentes de la gráfica.

Dónde se imparte

La cita es todos los martes de las 19:00 a las 21:00 horas a cargo de Jesús González Encina en el Centro de las Artes.





Funciones Gratuitas

Los tres cochinitos y el lobo feroz

La propuesta de llevar teatro infantil a las colonias y lugares más marginados continúa en pie por parte de la Dirección Municipal de Cultura de Torreón.

Este espectáculo que dirige Vicente Padilla se presenta en diversos puntos de la ciudad.

Vicente Padilla asegura que a pesar de ser un programa gratuito, no significa que la calidad de la presentación vaya a bajar.

“Al contrario, estamos tratando de que todo salga lo mejor posible, luchamos contra las incomodidades de que sea al aire libre, pero se hace todo lo que está a nuestro alcance para que quede un trabajo bien hecho”.

En esta producción, los pequeños se divertirán en grande.

Dónde se presenta

La cita es mañana 8 de agosto a las 20:00 horas en las colonias Dalias y Julietas. No se pierda estas funciones gratuitas. la opinion /cultura 7-ago -2007